Curated By: GLOSSARY - curated by Sacha Craddock

Es ist unmöglich, in der Politik neutral zu sein, und doch könnte Neutralität - das Thema der diesjährigen Edition von Curated By - als ein willkommener Raum gesehen werden, in dem man sich der nicht-funktionalen Natur der Kunst widmen kann. Es ist zu hoffen, dass eine derartige Erweiterung von Raum und Zeit jede vereinfachende Idee des Verstehens abschwächen, dass die Erzählung der künstlerischen Absicht nicht die Erfahrung übertrumpft, um zu bestimmen, wie die Dinge wirklich sind oder sein werden. Diese Ausstellung, bestehend aus Arbeiten von vier Künstler:innen, ist zwangsläufig mit einem dreidimensionalen Gefühl der Entdeckung und Überraschung verbunden. Keine Beschreibung kann die komplizierte, vielleicht widersprüchliche Kraft der Erfahrung in Worte fassen.  Während die Neutralität in ihrer Abstraktion niemals eine wirkliche Vision oder ein wirkliches Ergebnis liefern kann, ist die Bandbreite der von den vier ausgewählten Künstlern verwendeten physischen Sprache in der Lage, eine Fülle von Sehnsüchten und Ästhetik zu bieten. Eine echte Reihe von physischen Bestrebungen und Referenzen, die das Neutrale unbewusst auf eine andere Weise absorbieren werden. Ein Großteil der Arbeiten der ausgewählten Künstler:innen entsteht aus einem seitlichen, metaphorischen Wandel, aus der Verwendung von Material, das den Beginn von Möglichkeiten und die Tatsache widerspiegelt, dass wir, sowohl das Publikum als auch die Künstler, in gewisser Weise am selben Ort beginnen.

Andreas Reiter Raabe schafft Malereien und Skulpturen, die aus einer Art Hands-off-Prozess entstehen. Während die Produktionsmaschinerie zwischen dem Künstler und dem Ergebnis steht, lässt Reiter Raabe die Farbe scheinbar emotionslos in Schlieren, Klecksen und Plumpsen auf die Leinwand fallen. Der Siebvorgang, bedient sich einer Berührung, die für sich genommen weder gelingt noch misslingt, die aber bis zu einem gewissen Grad von einer Sprache bestimmt wird, die den Erfolg und das Scheitern der abstrakten Malerei umgibt. Es ist ein Prozess, der nach verschiedenen Kriterien beurteilt werden kann. Ist das geschaffene Werk "gut", fragen sich Künstler und erwartungsvoller Betrachter, ist es schön, was bedeutet das? Reiter Raabes Verfahren erinnert an die Anfänge des Buchdrucks, an die Herstellung und Gestaltung einer Schrift- und Bildsprache, die weder elementar noch primär ist. In diesem Fall jedoch mit einer Palette, die aussieht, als sei sie bereits in einem anderen Leben gemischt worden. Die Produktionsmaschinerie wiederum ahmt eine Heimindustrie konstruierter Rationalität nach, in der Farbe, eher müde als frisch, auf Umwegen ankommt und schließlich, aufgestützt an die Wand gehängt wird, ein flaches Stück Horizontale. Indem er eine ebene Fläche auch zum Stehen bringt, ahmt Reiter Raabes Werk eine Skulptur nach und wird gleichzeitig zur Skulptur.

Die Gemälde von Jessica Warboys sind das Ergebnis der Nutzung der unabhängigen Kraft der Natur, da sie hauptsächlich durch die Platzierung der Leinwand im Meer entstehen. Die Richtung, die sie freihändig vorgibt, ist nie nur eine Direction, da das visuelle Ergebnis und die umgebende Erzählung einen Rhythmus von autonomer und unabhängiger Logik auflösen. Das Ergebnis, das alles andere als malerisch oder determiniert ist, vermittelt ein Gefühl von diffuser Ohnmacht. Es geht darum, sich metaphorisch, so wie die Vision erscheint, gegen die Erwartungshaltung zu stellen, was ein Bild eigentlich tun sollte.Eine Inszenierung von nicht zentralisierter, flächendeckender Aktivität; die Bewegung des Wassers, wie sie für die Elektrizität genutzt wird, bringt eine Masse von Bildern hervor, die sich grob über eine Struktur legen.

Ihre Filme folgen einem ähnlichen Vorhang. Warboys bringt Bilder in und aus dem Fokus und assoziative Reliefs mit Hilfe von Text, Kratzern, Ortsbildern und einer gebrochenen, aber gezielten Mischung aus scharfen und stumpfen, diffusen und konzentrierten Assoziationen und Verfremdungen. Der Film vollführt einen ungewöhnlichen Schwenk oder Sturzflug zwischen dem Physischen und dem Gegenständlichen und wieder zurück. Das Verhältnis zwischen Echtzeit und bewegtem Bild ist faszinierend. Das Wasser bewegt sich über die Oberfläche der Meeresbilder, und auch die Bilder im bewegten Bild scheinen eine eigene Natur zu haben. Warboys schneidet mit Präzision, doch die Logik des Taktes und die Logik des eingefangenen Ortes, des symbolischen Moments und der assoziativen Bedeutung erlauben eine weitreichende Beeinflussung des gesamten Werks. Es entsteht der Eindruck einer Künstlerin, die vom Ergebnis beeinflusst wird, anstatt es zu beeinflussen. Solche Collagen sind natürlich nicht neu, aber der Bezug zur Zeit, die Tatsache, dass es keine Erzählung als solche gibt, führt zu einer Beschleunigung der Verschiebung vom Allgemeinen zum Besonderen, von der Totalität zur Partikularität, zur Erweiterung des Territoriums und zu einem Gefühl der Möglichkeit. Die Tatsache, dass die Künstlerin etwas über die Zeit hinweg bestehen lässt, erweitert eine Form der bewussten Unbewusstheit.

Die etwas angriffslustigen ikonografischen Gemälde von Harminder Judge, die sozusagen "freihändig" entstanden sind, sind ebenso sehr Relief als auch Körper. Wie bei den Arbeiten von Reiter Raabe und Warboys, handelt es sich in Judges Fall um Spritzer oder eine Masse von Pigmenten, die in ihrem eigenen physischen Volumen schweben; ein Schwarm von Fliegen, die in Aspik gefangen sind, auf eine scheinbar indirekte Weise. Das Thema und die Richtung sind in einer Anhäufung von Material versteinert und das Werk funktioniert von hinten nach vorne, wobei die Arbeit eine gestische Bewegung widerspiegelt. DDie ikonische, sich verschiebende, fließende Bewegung, die von hinten oder von oben eingesetzt wird, kommt fixiert und endlich mit harter Oberfläche auf der Bühne an und bleibt in diffuser Handlung  stehen. Die Geste ist in der Schwebe, eingefroren in der Zeit, wenn sie auf den Kopf gestellt wird und uns zugewandt ist.  Wie der Regisseur einer Oper erreicht der Künstler die totale Enthüllung erst, nachdem sich der Vorhang bei der Generalprobe gehoben hat. Aus vielen Gesten und Momenten zusammengesetzt, zeigt sich nach ausgiebiger Bearbeitung und Sorgfalt der unmittelbare Hauch oder Querschnitt einer Reaktion, wobei die Farbe ein Bild ergibt, das auf einmal geliefert wird. Die Arbeiten von Judge spielen auf die Geste des Expressionismus an, aber auch auf eine Aussage, die vielleicht von anderswo kommt. Loses, pulverförmiges Material hinterlässt eine Spur, wie eine Schrift oder eine Sprache malerischer Ambitionen. Wie Reiter Raabe, der von oben malt, ist keiner der beiden Künstler in der Lage, gleichsam zurückzutreten und zu wählen, was sie gemacht haben. Beide haben Vertrauen in den Prozess.

In den Fotografien von Tereza Červeňová steht die Handlung still. Sie handeln von der Entscheidung, Schichten der Wirklichkeit auf der Oberfläche einzufangen; eine Art Tauchgang in den Raum, der bis zur Flachheit gebracht wird. Natürlich passiert so viel im Abseits, anderswo und überall. Oder vielleicht geschieht nirgendwo etwas, das visuelle, formale oder sogar ästhetische Bedeutung haben kann, bis es festgehalten wird, nicht so sehr still, sondern als ein Beispiel für Ort, Raum und unbedeutende Kontinuität. Während sich die Künstler:innen in der Ausstellung auf dem Umweg von hinten nach vorne einem späteren Ergebnis nähern, kommen Červeňovás Fotografien in unterschiedlicher Größe und in unterschiedlichem Maßstab als vielleicht entblößende Beobachtung daher, die geteilt, verstanden und gewürdigt werden soll. Zum Teil als Fortsetzung des modernistischen Traums von der Beobachtung von Elementen, die ausgeschnitten und ins Bewusstsein collagiert werden. Die Schönheit eines gestörten, flachen Blattes, einer Wand, der Spiegelung in einem Fenster; wirklich alles, was die verschmierten, zerrissenen, zerknitterten, geschichteten Ebenen der visuellen Sprache zusammenbringt. Červeňovás Fotografien nehmen eine Rolle ein, die sich auflöst und den genauen Sinn für Richtung und Thema aufhebt, um in der Rolle zu bleiben, die sie spielen. Die Fotografie ahmt in diesem Fall das Zischen der Chemikalie nach, die im wirklichen Leben über die Oberfläche des Fotopapiers wäscht, und so treffen sich bei der Produktion, die das Subjekt nachahmt, Form und Inhalt in der Mitte, um nicht nur ein sich selbst definierendes Bild zu werden, sondern sozusagen ein Seitenhalter in der Beziehung zwischen Kunst und Fotografie.

Essay von Kuratorin Sacha Craddock