CURATED BY 2024: In the Mood for Interruption - curated by Tevž Logar

Im Bereich der offiziellen Erzählungen der Kunstgeschichte diente der Körper, als ein Raum, der soziale, politische, kulturelle und persönliche Spuren „archiviert“, oft als kraftvolles Medium, um Geschichten zu enthüllen, die historisch marginalisiert oder unterdrückt wurden. Andererseits spielt der Körper heute in der zeitgenössischen Gesellschaft eine bedeutende Rolle und steht im Mittelpunkt zahlreicher greifbarer kultureller, sozialer und politischer Diskurse im Zusammenhang mit Fragen der Geschlechtsidentität, Technologie, Arbeit, Gesundheit, Umwelt und Migration. Durch das Prisma dieser Beziehung und im Kontext des konzeptionellen Rahmens des diesjährigen Curated by Festivals, Untold Narratives, wird der Ansatz der Ausstellung In the Mood for Interruption in der Galerie Kandlhofer durch den Körper selbst informiert. Die ausgestellten Werke bieten mehrere Perspektiven, die uns helfen können, seine tiefgreifende Bedeutung bei der Gestaltung und Reflexion unseres Alltags besser zu verstehen.

In der zeitgenössischen Gesellschaft ist der Körper nicht nur eine biologische Entität, sondern auch ein komplexes Symbol für Identität, Handlungsfähigkeit und Erfahrung. Seine Bedeutung durchdringt verschiedene Lebensbereiche und spiegelt breitere kulturelle, soziale und politische Dynamiken wider. Im Kontext der zeitgenössischen Kunst können wir eine Vielzahl unterdrückter Erzählungen entdecken, die dominante Diskurse herausfordern und neue Perspektiven auf Identität, Macht und Repräsentation bieten. Auf subtile Weise ist dies in den Arbeiten von Bora Baboçi (geb. 1988) zu erkennen, deren Werk direkt die Grenzen zwischen öffentlich und privat anspricht, indem es taktile, immersive Erlebnisse schafft, die greifbare Verbindungen zwischen Menschen, Objekten und deren Umgebungen zeigen und wie dies menschliches Verhalten, Bewegung und soziale Interaktion beeinflusst. Zweifellos lässt sich die Spannung zwischen Raum und Körper auch in der Reihe historischer Werke von Neša Paripović (geb. 1942) erkennen, der die urbane Landschaft als Kulisse für seine Arbeit nutzt, wobei die Stadt zur Bühne für seine künstlerische Intervention wird. Im Fall von Paripović erleben wir, wie der Künstler den Körper als Ort der Erforschung und des Ausdrucks in den Fokus rückt und wie persönliche Identität in verschiedenen sozialen Kontexten ausgehandelt wird. Die Frage des Kontextes ist auch ein Ausgangspunkt für die Skulptur von Duba Sambolec (geb. 1949), die sich auf die langanhaltende kulturelle Behandlung des weiblichen Körpers als lebendiges, warmes Wesen bezieht, das darauf wartet, enthüllt, betrachtet oder konsumiert zu werden. Die absichtlich kopflose Skulptur verweist auf das historische westliche Konzept einer dualen menschlichen Existenz, bei der der Kopf, der mit Denken und Ideen assoziiert wird, als überlegen gilt, während der Rest des Körpers einen niedrigeren und problematischeren Status in unserem kulturellen Kanon innehat. Die Herausforderung traditioneller Geschlechterrollen und Stereotypen kann auch mit den Arbeiten von Tanja Ostojić (geb. 1972) in Verbindung gebracht werden. In der Serie der ausgestellten fotografischen Werke untersucht Ostojić gleichzeitig, wie gesellschaftliche Normen die Konstruktion und Repräsentation weiblicher Identität formen, während das Werk eine kritische und engagierte Reaktion auf den soziopolitischen Kontext darstellt, der die Produktionsbedingungen der Künstlerin stark beeinflusst hat. Und genau diese kritische Gedankenführung führt manchmal dazu, dass bestimmte Körper marginalisiert, objektiviert und aus den Mainstream-Erzählungen ausgeschlossen wurden, wie im Kontext der Collagen von Damir Očko (geb. 1977), die häufig Themen im Zusammenhang mit dem menschlichen Körper und Identität erforschen. Das Schichten und Gegenüberstellen verschiedener Materialien, darunter Fotografien, Zeichnungen, Texte und gefundene Objekte, ruft die Komplexität körperlicher Erfahrungen und persönlicher Erzählungen des Künstlers hervor. Obwohl nicht unbedingt explizit auf Geschlecht fokussiert, beschäftigt Očko’s Werk sich oft mit Themen, die indirekt Geschlechterdynamiken ansprechen, wie Verletzlichkeit, Macht und die menschliche Verfassung. Der Dialog über den Körper durch verschiedene künstlerische Positionen und Perspektiven wird mit der Auswahl von Objekten und Fotografien von Nona Inescu (geb. 1991) abgeschlossen. Ihre Arbeiten spiegeln die vielfältigen komplexen Beziehungen zwischen dem menschlichen Körper, der Natur und der Kultur wider. Durch die Verschmelzung von Naturelementen mit von Menschen geschaffenen Objekten kreiert Inescu nicht nur nachdenklich stimmende Werke, die die Betrachter dazu anregen, ihre Beziehung zur natürlichen Welt neu zu bewerten, sondern auch Werke, die das Zusammenleben der Menschheit mit der Natur zeigen. Obwohl Inescus poetische und manchmal sogar völlig ephemere Gesten auf den ersten Blick jeglicher Art von Handlungskraft beraubt zu sein scheinen, zeigt ein tieferer Zugang zu den Kunstwerken, dass die Natur als gleichberechtigtes Subjekt zur Menschheit und nicht als Objekt zur Ausbeutung dargestellt wird.

Die Ausstellung In the Mood for Interruption ist ein kleiner Schritt in Richtung der Erforschung unausgesprochener Erzählungen aus der Perspektive des Körpers, die neue Möglichkeiten für ein besseres Verständnis eröffnen, während sie kritisches Denken anregen, das zu einer offeneren und gerechteren Kulturlandschaft führt. Indem wir diese Erzählungen wiedergeben, können wir versuchen, verborgene Geschichten und Stimmen zu entdecken, die von dominanten Machtstrukturen, angetrieben von besonderen politischen, sozialen und wirtschaftlichen Interessen, zum Schweigen gebracht wurden. Auf diese Weise dienen die Beziehungen zwischen Kunstwerken und Ideen als Erinnerung daran, dass es unmöglich ist, den Körper als eine unerzählte Geschichte zu verstehen, es sei denn, er ist in persönliche Erfahrungen und Handlungen eingebettet, die nicht vom breiteren politischen Kontext isoliert sind. Doch dies kann nicht ohne kompromisslose Hingabe existieren. Etwas, das als eine schöne, unaufhaltsame Spannung zwischen Chow Mo-Wan und Su Li-Zhen in Wong Kar-Wais Klassiker In the Mood for Love gefühlt werden kann, deren tiefe und unumstößliche Verbindung und Hingabe an ihre Prinzipien zu einer eindringlichen Wehmut und dauerhaften Resonanz für eine bestimmte Sache führt. Wenn man die aktuelle Ausstellung In the Mood for Interruption besucht, sollte es, anders als bei ihrem filmischen Etymon, nicht um ein Pflichtgefühl und Respekt gegenüber gesellschaftlichen Normen oder den etablierten Erzählungen gehen, sondern eher um deren Unterbrechung.

Künstler:innen: 

Bora Baboçi (1988) lebt und arbeitet in Tirana, Albanien. 

Nona Inescu (1991) lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland und Bukarest, Rumänien.

Damir Očko (1977) lebt und arbeitet in Zagreb, Kroatien. 

Tanja Ostojić (1972) lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland. 

Duba Sambolec (1949) lebt und arbeitet in Ljubljana, Slowenien. 

Neša Paripović (1942) lebt und arbeitet in Belgrad, Serbien.

Text von Tevž Logar